Наивные художники – это художники, которые всю жизнь мечтали рисовать, но в силу разных обстоятельств так и не смогли получить профессионального художественного образования. Их всех роднит искренность и свежесть художественного чувства, которое выражено простыми, элементарными, наивными средствами и приемами. Также непосредственность восприятия окружающего мира сочетается у художников с технической «неумелостью», наивностью. Наивный художник мастерски варьирует традиционные, испытанные временем приемы, вольно импровизирует их в заданных темах и формах. Отсюда общие черты наивного искусства разных представителей этого направления – плоскостность, графичность, локальность цветовых отношений, определяющая роль симметрии и ритма, «открытость» и простота технических приемов, декоративность, юмор, праздничность, заостренность, гротескность образов, повествовательность композиции.
Однако наивная форма исполнения вовсе не подразумевает под собой наивного содержания. Наивные художники создают свою картину мира, часто наполняя ее символическим и философским содержанием.
Коллекция наивного искусства в Тольяттинском художественном музее невелика и занимает небольшой процент от общего количества произведений фондов, однако тем ценнее работы этих художников, заложившие ее основу. Все художники, о которых хочется рассказать, жили какое-то время в Тольятти.
До недавнего времени в Тольятти существовал клуб художников – ветеранов Великой Отечественной войны, организованный в 1992 г. при городском совете ветеранов, куда вошли 20 художников. Это были люди далеко не молодые, прошедшие долгими дорогами войны, но это были настоящие подвижники в искусстве, работавшие много творчески и интересно, постоянно проводили совместные выставки на разных площадках города, в том числе и в залах художественного музея. Основной состав работ в фонде Тольяттинского художественного музея составляют как раз произведения участников этого объединения. К сожалению многих из них давно уже нет в живых и клуб как таковой прекратил свое существование.
Творчество наивных художников, входивших в клуб художников-ветеранов, притягивает свое непосредственностью и задушевностью. Обаяние картин Виктора Козочкина, Павла Романова, Николая Москова, Петра Мизы – рождено любовью к родной природе, к красотам и просторам Волги, Жигулевских гор, а также воспоминаниями о войне. Их работы отличаются искренней любовью к миру, особой тщательностью в передаче деталей, сочетанием примитивного реализма и декоративности.
Неповторимый и по-детски открытый мир создал на своих картинах художник Виктор Козочкин. Козочкин лауреат Всероссийского смотра самодеятельного творчества в Москве и его картины участвовали в выставке фестиваля «ФестНаив» в Москве в 2004 г. Внимательно всматриваясь в окружающий мир, он пишет картины-признания в любви к родной природе. Коллекция картин Козочкина самая представительная в разделе наивного искусства художественного музея - 12 живописных работ.
Виктор Васильевич Козочкин родился в 1919 г. в д. Саловка, Краснослободского района в Мордовии, где жил до 1975 г. В 1939 г. он окончил педагогическое училище в Краснослободске. Учительствовал в начальных классах сельской школы.
Рисовать начал с 7 лет. В 1939 г. В.Козочкина призвали в армию. В июле 1941 г. он окончил Омское военное училище. Командовал взводом на Северо-западном фронте. В 1942 г. под Старой Руссой разрывная пуля повредила художнику правую руку. В госпитале по совету врача Козочкин делал копии с репродукций картин старых мастеров левой рукой, что помогло восстановить в художнике уверенность в своих силах.
В 1952 г. Виктор Козочкин всерьез занялся живописью. Художник переезжает в Ковылкино и участвует в районной художественной выставке. Козочкин стал много и упорно заниматься живописью, часто выезжал на пленэры, участвовал в групповых художественных выставках в Ковылкино, Саранске и Москве.
В 1977 г. В.Козочкин становится лауреатом Всероссийского конкурса художественного творчества, а в 1978 г. стал лауреатом Всероссийского смотра самодеятельного народного творчества. Участник двух персональных выставок (1981 и 1989 гг.).
В 1989 г. после смерти жены переезжает в г. Тольятти и становится членом клуба художников-ветеранов Великой Отечественной войны.
Все работы Козочкина решены в определенном, убедительном цветовом ключе. В одних насыщенные и звучные цветовые пятна, согласуясь друг с другом, дают возможность ощутить радость светлого дня, в других автор создает цветовые и тональные гармонии, раскрывающие тему морозного зимнего леса или заката над озером, или свежего влажного весеннего ветра. Декоративность цветового строя не исключает достоверности в передаче действительности.
Художник находит своеобразную красоту в различных проявлениях жизни природы в любое время года – будь золотая осень с плавающими на воде уточками, весенняя рощица с березами на круглых островах среди разлившейся талой воды, последний лед на широкой реке, праздник цветущей черемухи, обнявшиеся ветлы на волжском берегу, залитые летние поля и лес или покрытые снегом зимние просеки с проезжающими телегами.
В пейзажах В. Козочкина естественно и просто живут люди - они рыбачат, гуляют, разговаривают, едут на санях, запряженных лошадьми к запорошенным снегом стогам на лесной поляне, убирают на полях солому, катаются с горок на санках. Фигурки людей органично вписаны в пространство картины, их жизнь протекает в полном согласии с природой.
Виктор Козочкин использует в своих работах чистые открытые цвета, что помогает ему создавать картины, отличающиеся заметной яркостью и праздничностью. Для человека, побывавшего на войне, картина мира, представленная в его произведениях, показывает в нем человека мечтательного и настоящего романтика.
Нельзя не проследить в произведениях художника существующие параллели с искусством старых мастеров – так работа Козочкина «Уборка сена» перекликается с работой крупнейшего фламандского художника Питера Брейгеля «Жатва» из серии «Времена года» - тот же доминирующий желтый цвет и непрекращающаяся крестьянская работа по уборке сена, несмотря на почти безоблачное небо.
В работах Козочкина труд людей воспринимается очень органично без какого-либо лишнего пафоса. Как и во многих своих работах, художник строит центричную композицию – где точкой отсчета служит самый большой стог, на который с двух сторон крестьяне на вилах подбрасывают сено. Художник по всему полотну произведения размещает цветовые акценты в одежде людей, чтобы они гармонично сочетались с зеленовато-желтым фоном скошенного поля.
В камерных и панорамных пейзажах Павла Романова, казалось бы, наивных и простодушных, раскрывается философский взгляд на мир много видевшего и понимающего человека. Художник с большой добротой относится ко всем проявлениям окружающей его жизни, дотошно выписывает самые мелкие детали, что не разбивает образной целостности произведений.
Романов Павел Ефимович родился в 1918 г.в г.Ставрополе-на-Волге. Живописи учился самостоятельно с 1978 г.
Большая любовь к Волге, природе родных мест отразилась на его творчестве, используя старые фотографии, он стремился показать в своих работах эти удивительные места, которые, к сожалению, после строительства Волжской гидроэлектростанции им. В.И.Ленина, оказались под водой.
Романов неоднократный участник городских и областных выставок, а также персональных выставок в Тольятти, в поселках Зольное и Солнечная поляна.
В картине «Это праздник со слезами на глазах» 1994 г. к.м. художник отображает воспоминания матери о своих погибших родных в день 9 мая. Взяв в название работы слова из популярной советской песни о войне, Романов старается яркими красками раскрасить этот праздничный и одновременно грустный день в жизни матери, потерявшей на войне всех своих близких. Доминирующие в картине цвета - ярко-синий и ярко-зеленый, вносят позитивные нотки в скромное жилище пожилой женщины, оставшейся на старости лет один на один со своими воспоминаниями, фотографиями и старыми фронтовыми письмами.
Москов Николай Иванович родился в 1930 г. в селе Мучкакп Тамбовской области.
Учился художник на курсах заочного обучения Всесоюзного дома народного творчества им. Крупской в 1958-1960 гг.
Николай Москов был постоянным частником городских выставок и персональной выставки на тольяттинском заводе «Трансформатор».
В фонде художественного музея находится картина художника «Думы матери»1994 г. х.м. Для этой работы Николай Москов нашел интересный нетрадиционный прием – как показать в картине то, что в письме от сына читает матери, стоящая около нее девочка? Он в квадратиках окна за спиной женщины располагает фрагменты описываемых событий – все это напоминает кадры документальной военной хроники.
Художник подробно описывает детали интерьера комнаты – окно, украшенное кружевным полотенцем, большие фотографии трех сыновей, стол с пустым конвертом и полосатый яркий домотканый коврик на полу. Женщина сидит на лавочке около окна, сложив большие, натруженные руки на коленях, с грустью вслушивается в слова девочки, но видно, что думы ее не только об одном, а обо всех ее сыновьях.
Миза Петр Иванович на фронте был танкистом. Родился он в 1924 г. в селе Визирка Одесской области. Рисовать начал еще в школе. На фронте, когда выдавалась минута затишья, танкист Петр Миза брал карандаш и карманный блокнот, делал зарисовки со своих однополчан. Как и многие самодеятельные художники Миза учился в Московском заочном университете им. Крупской на факультете живописи и графики. Вместе со своими товарищами по клубу художников - ветеранов ВОВ участвовал на выставках в Москве, Самаре и Тольятти.
В картине художника «Без вести пропавший» 1994 г., ДВП.м. он обращает внимание на большую проблему современности - еще не все солдаты похоронены после войны, до сих пор находят в отдаленных от населенных пунктов местах, там, где проходили ожесточенные бои, не погребенные останки солдат. Миза наивно и подробно описывает событие, представленное в картине - двое косарей – парень и девушка, случайно обнаружили среди цветущей травы останки солдата в каске и с лежащим рядом автоматом. Художника не смущает тот факт, что солдат лежит на поверхности земли, а каска и автомат совсем как новые. Видимо художнику было важно в первую очередь заострить проблему и показать это событие так, чтобы оно сразу стало всем понятно. Отсюда и внешний контраст – с одной стороны цветущие травы и молодые парень с девушкой, а с другой стороны - смерть.
В фонде Тольяттинского художественного музея представлены картины и других самодеятельных тольяттинских художников, также относящихся к наивному искусству. Каждый из представленных художников составляет в своем творчестве собственную картину мира.
В мир азербайджанского музыкального фольклора вводит зрителя художник Юрий Каграманов своей работой «Зурначи» (Играющий на зурне). Юрий Ашотович был профессиональным музыкантом, саксофонистом, приехавшим в Тольятти из Баку. Он создал первый джазовый коллектив в городе, в котором был и руководителем, и композитором, и исполнителем. «Неугомонный мечтатель», как называли его люди близко знавшие, изготавливал барабаны для известного в городе музыкального коллектива «Барабаны мира», создавал сувенирные бочонки для вина. Но и этого ему показалось мало, он стал рисовать. Главные темы его работ – это театр и музыка.
Зурначи, так называли человека, играющего на народном инструменте зурне. Зурна в восточных странах играла большую роль – ни одно народное празднество на открытом воздухе не могло пройти без сопровождения зурны с ее ярким и пронзительным тембром.
Симметричная композиция картины с центральной осью, где линия носа переходит в линию зурны, поддержана тем же розовым цветом. Надув щеки и закрыв глаза, музыкант самозабвенно играет на зурне, держа ее своими маленькими ручками. Яркие краски этой небольщой по размеру картины – охра, желтый и розовый в сочетании с контрастным черным, создают декоративную композицию, наполненную внутренней сосредоточенностью и даже определенной торжественностью. Работа покоряет своей непосредственностью и национальной самобытностью.
Мир воспоминаний и романтики представляет в своих работах другой наивный художник Георгий Галета. Галета Георгий Прокофьевич родился в Украине в 1925 г., рисовал с детства, подражая деду, где бы ни был, он любил рисовать и с натуры, и по воображению. Рисовал на конвертах во время войны, уже подходящей к концу, рисовал портреты своих друзей-курсантов по Высшему военно-морскому училищу в г. Ейске, рисовал копии с репродукций старых мастеров – натюрморты Хруцкого, пейзажи Шишкина, Айвазовского, Куинджи, Поленова, которые оказали большое влияние на его творческий рост. В Тольятти Георгий Галета переехал в 70-е годы и по воспоминаниям его сына (тоже художника) Сергея Галеты он все свободное время рисовал, а работы дарил своим родным и близким. Всего художником было создано около двухсот работ.
В коллекции музея находится две работы Георгия Галеты, созданные в 1981-82 гг. В работе «Детство. На речке весной» 1982г. х.м. художник отразил свои воспоминания детства, проведенного в Украине. Он использует высокий вертикальный формат произведения для создания своего далекого мира детства. Галета как бы собирает обрывки своих воспоминаний, как в калейдоскопе, и складывает их в одну картинку – вот бегут к воде голые мальчишки, на камушке сидит паренек с удочкой, по берегу реки идет с ведром, полным воды, молодая женщина… За всеми этими действиями спокойно наблюдает собака, видимо принадлежащая одному из мальчишек. По отдельным деталям – украинскому платью женщины, беленой хате, крытой соломой, можно понять, что действие происходит в Украине, теплом благодатном крае. Художник с любовью выписывает и цветущие вишни на краю обрыва, и лестницу, кем-то прорубленную в одной из узких расщелин, и легкие
прозрачные облака, плывущие по высокому голубому небу. Георгий Галета строит свой мир воспоминаний по собственному сценарию, но этот мир понятен каждому. Даже мягкие пастельные краски, мягко перетекающие из голубого в зеленоватый и в желтовато-охристый помогают художнику в создании своей картины памяти детства.
В другой картине Георгия Галеты «Все уходит» 1981г. х.м., для которой он также выбирает высокий узкий формат, чувствуется влияние немецкого художника- романтика Фридриха Каспара, чьи одухотворенные, часто меланхолически-созерцательные пейзажи составили эпоху раннего романтизма в Германии.
Также как Каспар, Галета сопоставляет два плана – ближний с героями и дальний с плывущим парусником, вкладывая в работу символический подтекст. На скалистом берегу двое – убеленный сединами старик и хрупкая девочка. Они всматриваются в морскую даль, слушая шум волн, разбивающихся о скалы – старик стоит спокойно, углубленный в свои мысли, а девочка вся подалась порыву ветра, как бы желая быть подхваченной им, чтобы улететь куда-то в неведомые далекие страны. Плывущий вдали корабль также является символом, но для каждого он свой – для девочки – это мечта о далеких странствиях, а для старика – конец жизненного пути, гавань, куда всегда устремляются все корабли.
Мир искусства настолько широк, разнообразен и многогранен, что человек не в силах охватить все составляющие структуры этого мира. Насколько мала или велика часть наивного искусства в этом пространстве не может сказать никто. И наивное искусство оказывает влияние на профессиональное, но и в обратную сторону действуют те же законы преемственности. Одной из насущных задач музеев является помощь в сохранении тех оставшихся форм наивного самодеятельного искусства, которые своим простодушным и ясным взглядом на мир создают прекрасную, в чем-то по-детски наивную, но такую понятную и бесхитростную картину мира, о которой мечтают все, но иногда стесняются сказать.
Москвитина Лариса
Искусствовед,
замдиректора по научной работе ТХМ
